Katie Brightside, Kuratorin-Chefin für The Artist Tree – Interview-Serie

Während die Cannabis-Industrie expandiert, entwickeln sich Einzelhandels-Dispensaries zu Orten, die weit mehr als nur Transaktionen abwickeln. Stattdessen verwandeln sie sich in lebendige Zentren für diverse Veranstaltungen und soziale Zusammenkünfte. Von der Ausrichtung von Cannabis-Advocacy-Treffen bis hin zur Doppelrolle als wunderschön kuratierte Kunstgalerien überschreiten moderne Dispensaries die Grenzen der Vorjahre.

Um einen genaueren Blick darauf zu werfen, wie man den Dispensary-Betrieb mit community-getriebenen Veranstaltungen und der Kuratierung der in diesen Räumen ausgestellten Kunst verbinden kann, sprach MyCannabis.com mit Katie Brightside, Kuratorin-Chefin für The Artist Tree.

Was waren die nützlichsten und interessantesten Konzepte in der Mode, die Sie während Ihres Studiums an der Kingston University und später in Italien gelernt haben?

Die Kingston University hatte einen der angesehensten BA (Hons) Fashion-Kurse im Vereinigten Königreich, größtenteils weil er ambitionierte Designer hervorbrachte, die alles tun würden, um den Job zu erledigen.

Um dies in den Kontext zu setzen, war es 1998 und ich war eine 19-jährige aus der sehr unglamourösen Stadt Swindon, England. Der Zugang zum Kurs war ein Kampf, und nichts änderte sich, als ich ankam.

Bevor der erste Tag begann, erhielten wir ein Projekt, um uns vorzustellen. Wir begannen mit 46 Studenten. Wenn man scheiterte, war man raus. Drei Menschen verließen den Kurs, bevor die Klassen überhaupt ordnungsgemäß begonnen hatten.

Dann, während der Rest der Universität die Orientation Week genoss, erhielten wir ein weiteres Projekt. Wir arbeiteten 20-Stunden-Tage, um es abzuschließen. Am Ende dieser Woche hatten zwei weitere Studenten den Kurs verlassen.

Drei Jahre später hatten nur etwa 24 von uns den Abschluss gemacht.

Es gab kaum einen Tag, an dem ein Tutor nicht jemanden zum Weinen brachte, uns gegeneinander ausspielte oder jemanden öffentlich wegen seiner Fehler schämte. Im Nachhinein wäre viel von dieser Lehrmethode heute wahrscheinlich völlig inakzeptabel. Trotzdem kann ich auch ihren Wert erkennen.

Die Umgebung zwang mich, meine Schwächen zu identifizieren und zu erkennen, wo ich nicht mit meinen Kommilitonen mithalten konnte. Wichtiger noch, sie lehrte mich, wie ich diese Schwächen in Stärken umwandeln konnte. Wir lernten, wie man sich selbst vermarktet, ein persönliches Markenbild aufbaut und selbstbewusst und überzeugend über seine Ideen spricht.

Die meisten von uns scherzen noch heute, dass wir PTSD aus diesen Jahren haben. Willkommen in der Mode.

Im zweiten Jahr wurden wir zur Paris Fashion Week geschickt und sollten einen Catwalk-Bericht erstellen. Keiner von uns hatte Branchenkontakte. Um in die Shows zu gelangen, trugen wir Sneaker, damit wir unter den Armen der Sicherheitsbeamten hindurchlaufen und hineinschlüpfen konnten. Wir lernten schnell, direkt zum Pressebereich zu gehen und eine Kamera herauszuholen, um es schwieriger zu machen, uns hinauszuwerfen.

Ich erinnere mich, dass Fotografen von Dazed & Confused und i-D magazine fragten, ob sie mit mir die Plätze tauschen könnten, als ich mich an die erste Reihe bei Valentino und Bernhard Willhelm Shows drängte. Ich hielt mich gut. Ich würde diese Aufgabe nicht vermasseln.

Während meines zweiten Jahres gewann ich ein Projekt, das von den United Colors of Benetton gesponsert wurde, und erhielt sowohl Preisgeld als auch Branchen-Anerkennung.

Als ich abschloss, hatte ich drei Jobangebote. Das glamouröseste kam von der Benetton Group in Italien. Sie boten mir ein großzügiges Gehalt, eine Wohnung, Italienisch-Unterricht und eine Lebensmittelzulage. Im Alter von 21 Jahren war ich völlig verwöhnt und hatte sehr wenig Verständnis dafür, wie die Branche funktionierte.

Um ehrlich zu sein, verstand ich nie wirklich, warum sie zwei von uns aus dem Kurs eingestellt haben, da es nicht viel für uns zu tun gab. Also verbrachte ich viel Zeit damit, mein Portfolio zu entwickeln, bevor ich ein Jahr später nach Australien zog. Innerhalb von 10 Tagen war ich in eine freiberufliche Couture-Mode-Rolle eingestiegen. Ich war begeistert; das war, wo ich sein wollte! 

Was Kingston mich lehrte, war nicht einfach, wie man Kleidung entwirft. Es lehrte mich, wie man um das kämpft, was man will, wie man sich anstrengt, wie man Chancen schafft, wo keine existieren, und wie man das Beste aus jeder Situation macht.

Heute denke ich, dass nur etwa fünf von uns noch in der Modebranche arbeiten. Vielleicht arbeiten vier weitere in kreativen Branchen, einschließlich mich. Die restlichen 14 oder so haben sich völlig neu erfunden und andere Karrieren eingeschlagen.

Die Lehrmethoden wären wahrscheinlich heute illegal, und das ist auch richtig so. Trotzdem bin ich dankbar für diese Erfahrung. Sie war brutal, anstrengend und oft unerbittlich, aber sie formte, wer ich wurde.

Die größte Lektion war nicht die Mode. Es war die Widerstandsfähigkeit.

Wie haben das Studieren und Leben in all den verschiedenen Ländern, in denen Sie gelebt haben, Ihre künstlerische Ausdrucksweise, Ihre Wertschätzung für Kunst aller Formen und Ihre Zusammenarbeit mit anderen Künstlern inspiriert?

Ich habe in sechs Ländern gelebt und weit gereist, und diese Ausstellung an verschiedenen Kulturen bildet den Rückhalt meiner Praxis. Ich sehe Kultur als eine Form des Wissens, und dieser Faden läuft durch meine Arbeit. Meine künstlerische Sprache entwickelte sich während meines BA-Studiums an der Kingston University und wurde durch meinen MA in Fine Art an der Central Saint Martins weiterentwickelt, wo ich ermutigt wurde, ständig nach Neuem zu suchen und gleichzeitig kritisch in historischer und zeitgenössischer Kunst zu bleiben.

Ich habe eine tiefe Leidenschaft für die Neuerfindung historischer Referenzen für das heutige Publikum. Reisen hat mir eine größere Wertschätzung dafür vermittelt, woher die Kunst stammt und wie die Kultur den kreativen Ausdruck formt.

Mit Künstlern zusammenzuarbeiten erfordert Geduld und Verständnis. Ihre Schöpfungen sind wie ihre Kinder, und es ist wichtig, das Privileg, diese Werke zu betreuen, zu respektieren, auch wenn es nur für die Dauer einer Ausstellung oder zweier ist.

Was hat Ihre Aufmerksamkeit auf die Teilnahme am Artist Tree-Team gelenkt? Hatten Sie Bedenken, in der Cannabis-Industrie zu arbeiten, nach so vielen Jahren in der Mode und Kunst?

Das Artist Tree-Künstlerprogramm ist eines der besten der Welt und eines der einzigen Plattformen, auf denen Künstler 100 % des Verkaufserlöses jedes Kunstwerks erhalten. Jeder verkaufte Artikel ist ein bedeutender Meilenstein für einen Künstler, und das Unternehmen ist bestrebt, ein Programm aufzubauen, das Kreativen wirklich unterstützt und hilft, ihre Karrieren voranzutreiben.

Ich habe keine Bedenken, in der Cannabis-Industrie zu arbeiten. Tatsächlich ist es eine unerforschte Branche, die meine Neugier und Leidenschaft für die Entdeckung neuer Möglichkeiten weckt. Die Kultur ist oft entspannter als die traditionellen kreativen Branchen, was ich erfrischend finde.

Ich bin immer noch eine praktizierende Künstlerin mit zahlreichen kreativen Ausgaben und laufenden Unternehmungen, also höre ich nie wirklich auf zu arbeiten. Kreativität ist nicht nur mein Beruf – es ist ein konstanter Teil von mir.

Als jemand, der mit beiden vertraut ist, warum gehen Cannabis und die kreativen Künste normalerweise Hand in Hand? Warum haben so viele Künstler in so vielen Genres Cannabis auf die eine oder andere Weise genutzt?

Cannabis und die kreativen Künste sind seit Jahrhunderten miteinander verbunden, aber die Beziehung ist komplexer als das gängige Stereotyp des “high artist”.

Kreatives Erreichen erfordert nicht unbedingt Cannabis, und Forschungen darüber, ob es die Kreativität tatsächlich steigert, sind gemischt. Letztendlich ist es eine persönliche Entscheidung – ein choose-your-own-adventure-Ansatz.

Eine mögliche Erklärung für die langfristige Verbindung ist, dass der kreative Prozess oft die Generierung von Ideen vor ihrer Bewertung erfordert. Einige Künstler berichten, dass Cannabis ihren inneren Kritiker vorübergehend zum Schweigen bringt, sodass sie experimentierfreudiger und kreativere Risiken eingehen können, die sie sonst zu schnell ablehnen würden.

Cannabis kann die Wahrnehmung verändern, das Denkmuster verlangsamen, die sensorische Wahrnehmung erhöhen und ungewöhnliche Verbindungen zwischen Ideen fördern. Für einige Kreative kann dies zu einer größeren Wertschätzung von Textur, Rhythmus, Geschmack, Licht oder emotionaler Nuancen führen. Ob diese veränderten Perspektiven letztendlich die Arbeit selbst verbessern, ist subjektiv, aber sie können Künstlern helfen, vertraute Ideen aus einem anderen Blickwinkel zu betrachten.

In Ihren eigenen Worten, warum war es so wichtig, den West Hollywood Artist Grant, den Phyllis Morris Design Award bei den West Hollywood Women in Business Leadership Awards und den Gewinner des BBA Regional Cookbook Award zu gewinnen? Wie halfen diese Errungenschaften Ihrer Karriere?

Keine dieser Errungenschaften ist leicht zu erzielen. Jede Anerkennung durch Ihre Kollegen ist wichtig, um sich als Profi zu etablieren. Sie hilft, Glaubwürdigkeit aufzubauen, macht es einfacher, zukünftige Zuschüsse und Finanzierungsmöglichkeiten zu sichern, und öffnet Türen, die sonst geschlossen bleiben würden.

Awards und professionelle Anerkennungen sind mehr als nur Auszeichnungen – sie sind eine Bestätigung der harten Arbeit, des Engagements und der Expertise, die in den Aufbau einer Karriere investiert werden.

Was bedeutet es, als Kuratorin-Chefin für 10 verschiedene Standorte tätig zu sein? Wie arbeiten Sie mit anderen Künstlern zusammen, um ihre Arbeit auszustellen und die Dispensaries visuell ansprechender zu gestalten?

Es ist wirklich ein riesiges Domino-Spiel. Aus irgendeinem Grund findet mein Gehirn es leicht, 300 Arbeiten herein- und 300 Arbeiten hinauszumanövrieren, mit etwa 35 Künstlern, die hereinkommen und 35, die gehen.

Die wahre Herausforderung besteht darin, jeden Künstler gut genug kennenzulernen, um vorherzusagen, wer möglicherweise einen Stein in die Mühlen werfen und ein Domino aus der Reihe werfen könnte. Wenn Sie den Charakter des Künstlers verstehen, können Sie einen perfekten zehn-Ort-Wechsel durchführen, ohne einen Fehler zu machen.

Um ehrlich zu sein, finde ich es ziemlich lustig. Ich plane für jede Wendung und jeden Twist, bevor es passiert.

Ich habe auch kein Auto. Also stelle ich mir im Oktober die ultimative Herausforderung: zehn hintereinander Installationsarbeiten, die sich von Südkalifornien bis Sacramento erstrecken. Ich freue mich wirklich darauf, zu sehen, wie alles funktioniert.

Und weil ich offensichtlich mein Leben unnötig kompliziert mache, passe ich auch Interviews mit bekannten Barkeepern für das Cocktail-Buch ein. 

Obwohl ich in Wirklichkeit vermute, dass ich einfach die Lösung unmöglicher logistischer Rätsel genieße. Sobald Sie Jahre damit verbracht haben, Künstler, Ausstellungen, Versandpläne, Veranstaltungsorte und Fristen zu jonglieren, fühlt sich eine normale Woche wahrscheinlich ziemlich langweilig an.

Ich freue mich ehrlich darauf, dass das Unternehmen weitere Stores eröffnet! Bring es! 

Wie kuratieren Sie mit so vielen Standorten, die Sie überwachen, visuell schöne Kunst und ausgewählte Künstler, die zu den Stores passen, perfekt? Wie viel kreative Überlegung und Umsetzung fließt in diese Entscheidungen ein?

Ein großartiges Kunstprogramm in einem Einzelhandels-Umfeld geschieht selten zufällig. Wenn Sie Dutzende von Standorten überwachen, hängen Sie nicht einfach Kunstwerke auf – Sie schaffen eine Konversation zwischen dem Künstler, dem Raum, dem Kunden und der lokalen Gemeinschaft.

Eine erfolgreiche Platzierung kann sowohl das Kunstwerk als auch den Standort erhöhen. Manchmal wird ein Stück, das in einem Laden Schwierigkeiten hat, eine Verbindung herzustellen, zu einem Bestseller, wenn es in einen anderen Laden verlegt wird, weil das Publikum besser passt. Ich verschiebe regelmäßig Arbeiten zwischen Standorten, und wenn Künstler dem Programm beitreten, mache ich deutlich, dass ich langsam Beziehungen aufbauen möchte. Dies ist ein langes Spiel. Erfolg geschieht selten über Nacht, und die stärksten Künstler-Partnerschaften werden über die Zeit aufgebaut.

Eine enorme Menge an Überlegungen fließt in jede Ausstellung ein. Ich habe angefangen, mit Künstlern an Ausstellungen zu arbeiten, die mehr als ein Jahr im Voraus geplant sind, um ihnen zu helfen, neue Werkserien zu entwickeln oder sie zu ermutigen, sich auf Weise zu präsentieren, die sie möglicherweise noch nie zuvor in Betracht gezogen haben. Ein Teil meiner Rolle besteht darin, Möglichkeiten zu identifizieren, die Künstler kreativ herausfordern, während sie gleichzeitig authentisch in ihrer Praxis bleiben.

Das erforderliche Vertrauen kann nicht unterschätzt werden. Künstler legen ihre Arbeit, ihren Ruf und oft ein Stück von sich selbst in Ihre Hände. Dieses Vertrauen aufzubauen, erfordert Konsistenz, Ehrlichkeit und Transparenz. Diese Eigenschaften sind die Grundlage jeder erfolgreichen Ausstellung und jeder dauerhaften Künstler-Beziehung.

Kuratieren ist auf seinem besten Niveau nicht einfach nur das Verkaufen von Kunstwerken. Es geht darum, Möglichkeiten zu schaffen, Karrieren aufzubauen, Gemeinschaften zu verbinden und das richtige Publikum für den richtigen Künstler im richtigen Moment zu finden.

Wie verlief das Pride-Event am 4.? Welche waren einige der Highlights, und warum ist es wichtig für Dispensaries und Kunstgalerien wie The Artist Tree, Events zu veranstalten, die die Beiträge zu den Künsten feiern, die LGBTQ-Künstler geschaffen haben?

Ich habe viel von dem Team von The Artist Tree verlangt, um mich bei der Veranstaltung am 4. Juni zu unterstützen, und eine der auffallendsten Erkenntnisse war, dass ich erkannte, wie selten es ist, dass ein Unternehmen nicht nur dem Blick eines Kurators vertraut, sondern ihn auch aktiv mit so viel Präzision und Sorgfalt ausführt – und dann sogar darüber hinausgeht.

Das Unternehmen, das in Südkalifornien gegründet wurde und seinen Hauptsitz in West Hollywood hat, hat immer mit einem starken Schwerpunkt auf kulturelle Inklusion und Gemeinschaftssichtbarkeit operiert. West Hollywood selbst ist weithin als tief LGBTQ+-affirmierende Stadt anerkannt, und diese Ethik wird in der Art und Weise widerspiegelt, wie die Marke sich positioniert – kulturelle Vielfalt feiernd, unterrepräsentierte Künstler unterstützend und diverse Stimmen in ihrer Programmierung erhöhend.

Was das Event bedeutungsvoll erschien, war nicht, dass es allein stand, sondern dass es auf einer bereits bestehenden Grundlage aufbaute, die lange vor meiner Beteiligung existierte. Ich sehe meine Rolle als den nächsten Kurator in dieser Kontinuität – jemand, der für die Weiterentwicklung des Programms, die Feinabstimmung seiner Richtung und die Weiterentwicklung auf das nächste Level verantwortlich ist, anstatt es von Grund auf neu zu erfinden.

In diesem Sinne war die Veranstaltung nicht das Ende – es war einfach der Höhepunkt einer bereits etablierten, wachsenden Vision.

Wie nutzen Sie Ihre eigenen kreativen Fähigkeiten und künstlerischen Erfahrungen, wenn Sie die Once in a Cocktail-Serie organisieren und erstellen? Wie finden Sie bemerkenswerte Orte, um sie in der Serie zu präsentieren?

Ich gehe die Once in a Cocktail-Serie genauso an, wie ich Künstler kuratiere – durch Instinkt, Neugier und Erzählungen.

Ich bin immer auf der Suche nach etwas Neuem. Ich “jage” Barkeeper und Locations, genauso wie ich Künstler “jage”: nicht nur nach Fähigkeiten, sondern nach Charakter, Atmosphäre und Erzählung. Ein großartiger Cocktail ist nie nur ein Getränk – es ist ein Spiegelbild eines Ortes, einer Person und eines Moments in der Zeit.

Ich illustriere auch alle Bücher selbst, und diese visuelle Sprache hat sich über Jahre der Praxis entwickelt. Sie ermöglicht es mir, eine vollständig immersive Welt zu schaffen, in der Schreiben und Bildsprache miteinander sprechen. Ich sehe keine Trennung zwischen den beiden; ich übersetze ständig Erfahrungen in visuelle und geschriebene Form.

Im Kern bin ich eine Erzählerin. Ich kann Ideen aus sehr wenig herausziehen, weil ich immer beobachte – menschliches Verhalten, Räume, Energie, Details. Was mich antreibt, sind Menschen und ihre Erfahrungen, und wie diese kleinen, oft übersehenen Momente in etwas Bedeutungsvolles umgewandelt werden können.

Letztendlich kümmere ich mich um menschliche Verbindungen und mache sie auf eine Weise zugänglich, lebendig und bedachter, die durch die Arbeit möglich wird.

Was sind einige aufregende zukünftige Pläne für Sie und The Artist Tree? Wie plant The Artist Tree, sich anzupassen und zu entwickeln, während die Cannabis-Industrie in unerforschtes Gebiet vordringt?

Ich habe ehrgeizige Ziele, um die Art und Weise zu ändern, wie Kunst verkauft und erlebt wird. Bei The Artist Tree bieten wir ein einzigartiges Programm, das nichts mit dem üblichen Branchenmodell zu tun hat.

Wir möchten, dass die Menschen anders über den Kauf von Kunst denken. Wenn sie unsere Stores betreten, machen sie nicht nur einen Kauf – sie unterstützen aktiv und fördern die Karriere eines Künstlers. Jeder Verkauf profitiert dem Künstler direkt, da 100 % des Kunstwerk-Preises an ihn gehen.

Es gibt nichts falsch am traditionellen Galerie-Modell, bei dem Galerien 40-50 % für die Deckung der Kosten des Betriebs eines Raumes nehmen. Dieses System hat Wert und Geschichte. Aber es gibt auch Raum für ein neues Modell – eines, das Transparenz, Zugang und direkte Künstler-Unterstützung priorisiert.

Wir profitieren nicht vom Verkauf von Kunstwerken. Stattdessen arbeiten wir mit Künstlern zusammen, um ihre Arbeit in unseren Räumen zu erhöhen. Ihre Kreativität bereichert unsere Stores und verwandelt sie in bildungswürdige, visuell reiche Umgebungen für unsere Kunden.

Dies ist eine Evolution davon, wie Kunst und Handel zusammenarbeiten können: ein Modell, das auf Respekt für das Handwerk, Unterstützung für Talent und der Überzeugung basiert, dass die gesamte Erfahrung sinnvoller wird, wenn Künstler gedeihen.

Es ist eine wahre Partnerschaft.

Vielen Dank, dass Sie uns begleitet haben, Katie! Für weitere Informationen über The Artist Tree-Stores besuchen Sie bitte ihre Website.