Katie Brightside, conservatrice en chef pour The Artist Tree – Série d’entretiens

Alors que l’industrie du cannabis se développe, les dispensaires de détail évoluent en espaces qui font beaucoup plus que des transactions. Au lieu de cela, ils se transforment en hubs vibrants pour des événements divers et des rassemblements sociaux. Des réunions de défense du cannabis à des galeries d’art magnifiquement curatorisées, les dispensaires modernes poussent loin les limites des années précédentes.

Pour avoir un aperçu plus précis de la façon de fusionner les opérations de dispensaire avec des événements communautaires et de curater l’art présenté dans ces espaces, MyCannabis.com a parlé avec Katie Brightside, conservatrice en chef pour The Artist Tree.

Quels étaient les concepts les plus utiles et les plus intéressants dans la mode que vous avez appris pendant votre séjour à l’Université de Kingston, puis en Italie après cela?

L’Université de Kingston avait l’un des cours de mode les plus respectés au Royaume-Uni, en grande partie parce qu’il produisait des designers ambitieux qui feraient tout pour réussir.

Pour mettre cela en contexte, c’était 1998 et j’avais 19 ans, originaire de la ville peu glamour de Swindon, en Angleterre. Entrer dans le cours était un combat, et rien ne changea une fois que j’y étais.

Avant le premier jour, on nous a donné un projet pour nous présenter. Nous avons commencé avec 46 étudiants. Si vous échouiez, vous étiez renvoyé. Trois personnes sont parties avant même que les cours n’aient vraiment commencé.

Ensuite, pendant que le reste de l’université profitait de la semaine d’orientation, on nous a donné un autre projet. Nous avons travaillé 20 heures par jour pour le terminer. À la fin de cette semaine, deux autres étudiants étaient partis.

Trois ans plus tard, seulement environ 24 d’entre nous ont obtenu leur diplôme.

Il y avait à peine un jour où un tuteur ne faisait pas pleurer quelqu’un, ne nous mettait pas les uns contre les autres, ou ne nous humiliait pas publiquement pour nos erreurs. En y repensant, beaucoup de ces méthodes d’enseignement seraient considérées comme complètement inacceptables aujourd’hui. Pourtant, étrangement, je peux voir leur valeur.

L’environnement m’a forcé à identifier mes faiblesses et à reconnaître où je ne pouvais pas rivaliser avec mes pairs. Plus important encore, il m’a appris à transformer ces faiblesses en forces. Nous avons appris à nous marketer, à construire une marque personnelle et à parler de nos idées de manière confiante et persuasive.

La plupart d’entre nous se moquent encore de ces années. Bienvenue dans la mode.

Lors de notre deuxième année, on nous a envoyés à la Semaine de la mode de Paris et on nous a demandé de produire un rapport de défilé. Aucun de nous n’avait de connections dans l’industrie. Pour entrer dans les spectacles, nous portions littéralement des baskets pour courir sous les bras des agents de sécurité et glisser à l’intérieur. Nous avons rapidement appris à nous diriger vers le fossé de presse et à sortir un appareil photo, ce qui rendait beaucoup plus difficile pour quiconque de nous jeter dehors.

Je me souviens que des photographes de Dazed & Confused et de i-D magazine m’ont demandé si je pouvais échanger des positions avec eux alors que je me frayais un chemin jusqu’à la première rangée aux spectacles de Valentino et de Bernhard Willhelm. J’ai tenu mon propre rang. Je n’allais pas échouer dans cette affectation.

Lors de ma deuxième année, j’ai gagné un projet parrainé par les United Colors of Benetton, recevant à la fois de l’argent et une reconnaissance dans l’industrie.

Lorsque j’ai obtenu mon diplôme, j’avais trois offres d’emploi. La plus glamour venait du groupe Benetton en Italie. Ils m’ont offert un salaire généreux, un appartement, des cours d’italien et une allocation pour la nourriture. À 21 ans, j’étais complètement gâtée et avais très peu de compréhension de la façon dont fonctionnait l’industrie.

Pour être honnête, je ne comprenais pas vraiment pourquoi ils nous ont embauchés, deux de nous du cours, car il n’y avait pas énormément de travail à faire. Donc, j’ai passé beaucoup de temps à développer mon portfolio avant de déménager en Australie un an plus tard. Dans les 10 jours, j’ai décroché un rôle de couture freelance. J’étais aux anges ; c’est là que je voulais être !

Ce que Kingston m’a enseigné, ce n’était pas seulement comment concevoir des vêtements. C’est comment se battre pour ce que je voulais, comment faire du réseautage, comment créer des opportunités où il n’y en avait pas, et comment faire le meilleur usage de toute situation.

Aujourd’hui, je pense que seulement cinq d’entre nous travaillent encore dans la mode. Peut-être que quatre autres sont dans des industries créatives, y compris moi. Les quatorze restants se sont complètement réinventés et ont poursuivi des carrières différentes.

Les méthodes d’enseignement seraient probablement illégales aujourd’hui, et à juste titre. Pourtant, je reste reconnaissante pour l’expérience. C’était brutal, épuisant et souvent impitoyable, mais cela a façonné qui je suis devenue.

La leçon la plus grande n’était pas la mode. C’était la résilience.

Comment vos études et votre vie dans tous les pays différents que vous avez inspiré votre artistique, votre appréciation de l’art sous toutes ses formes et comment vous travaillez avec d’autres artistes?

J’ai vécu dans six pays et j’ai beaucoup voyagé, et cette exposition à différentes cultures forme le fondement de ma pratique. Je vois la culture comme une forme de connaissance, et ce fil conducteur parcourt constamment mon travail. Mon langage artistique s’est développé pendant mon BA à l’Université de Kingston et a été encore façonné par mon MA en beaux-arts à Central Saint Martins, où j’ai été encouragée à chercher constamment le nouveau tout en restant enracinée dans les discours artistiques historiques et contemporains.

J’ai une grande passion pour réinventer les références historiques pour le public d’aujourd’hui. Voyager m’a donné une plus grande appréciation de l’endroit d’où vient l’art et de la façon dont la culture façonne l’expression créative.

Travailler avec des artistes nécessite de la patience et de la compréhension. Leurs créations sont comme leurs enfants, et il est important de respecter le privilège de devenir le gardien de ces œuvres, même si ce n’est que pour la durée d’une exposition ou deux.

Qu’est-ce qui a attiré votre attention pour rejoindre l’équipe de The Artist Tree? Aviez-vous des inquiétudes quant au travail dans l’industrie du cannabis après autant d’années dans la mode et la conception d’art?

Le programme d’artistes de The Artist Tree est l’un des meilleurs au monde et l’un des seuls plateformes où les artistes reçoivent 100 % de chaque vente d’œuvre d’art. Chaque pièce vendue est un jalon important pour un artiste, et l’entreprise est déterminée à continuer à construire un programme qui soutient réellement les créatifs et aide à faire avancer leur carrière.

Je n’ai aucune réserve quant au travail dans le cannabis. En fait, c’est une industrie inexplorée qui suscite ma curiosité et ma passion pour la découverte de nouvelles opportunités. La culture est souvent plus détendue que les industries créatives traditionnelles, ce que je trouve rafraîchissant.

Je suis toujours une artiste praticienne avec de nombreuses activités créatives et des projets en cours, donc je ne cesse jamais vraiment de travailler. La créativité n’est pas seulement ma profession – c’est une partie constante de qui je suis.

En tant que personne très familière avec les deux, pourquoi le cannabis et les arts créatifs vont-ils généralement de pair? Pourquoi tant d’artistes de nombreux genres ont-ils utilisé le cannabis d’une façon ou d’une autre?

Le cannabis et les arts créatifs sont liés depuis des siècles, mais la relation est plus complexe que le stéréotype populaire de l’« artiste high ».

La réalisation créative n’exige pas de cannabis, et la recherche sur le fait qu’il améliore réellement la créativité reste mitigée. En fin de compte, c’est un choix personnel – une approche « choisissez votre propre aventure ».

Une explication possible du lien de longue date est que le processus créatif nécessite souvent de générer des idées avant de les juger. Certains artistes rapportent que le cannabis calme temporairement leur critique interne, leur permettant d’expérimenter plus librement et de prendre des risques créatifs qu’ils auraient autrement rejetés trop rapidement.

Le cannabis peut altérer la perception, ralentir les modèles de pensée, accroître la conscience sensorielle et encourager des connexions inhabituelles entre les idées. Pour certains créatifs, cela peut conduire à une plus grande appréciation de la texture, du rythme, de la saveur, de la lumière ou de la nuance émotionnelle. Que ces perspectives altérées améliorent ou non le travail lui-même est subjectif, mais elles peuvent aider les artistes à aborder des idées familières sous un angle différent.

En vos propres mots, pourquoi était-il si important de remporter la subvention d’artiste de West Hollywood, le prix de design Phyllis Morris aux prix de leadership des femmes d’affaires de West Hollywood, et le gagnant du prix du livre de cuisine régional BBA? Comment ces réalisations ont-elles aidé à faire avancer votre carrière?

Aucune de ces réalisations n’est facile à obtenir. Toute reconnaissance de la part de vos pairs est importante pour établir sa professionnalisme. Cela aide à établir la crédibilité, facilite l’obtention de subventions et de financements futurs et ouvre des portes qui auraient pu autrement rester fermées.

Les prix et les reconnaissances professionnelles sont plus que des distinctions – ce sont une validation du travail acharné, de la détermination et de l’expertise qui entrent dans la construction d’une carrière.

Qu’est-ce que cela implique d’être conservatrice en chef pour 10 emplacements différents? Comment travaillez-vous avec d’autres artistes pour mettre en valeur leur travail et rendre les dispensaires plus visuellement attrayants avec leur travail?

C’est vraiment un jeu de dominos géant. Pour une raison ou une autre, mon cerveau trouve facile de manœuvrer 300 pièces de travail à l’intérieur et 300 pièces à l’extérieur, avec environ 35 artistes qui entrent et 35 qui sortent.

Le véritable défi est d’apprendre à connaître suffisamment le caractère de chaque artiste pour prédire qui pourrait jeter un boulon dans les roues et faire tomber un domino hors de la séquence. Si vous pouvez comprendre la personnalité de l’artiste, vous pouvez exécuter un switcheroo de dix emplacements sans rater un battement.

Pour être honnête, je trouve cela plutôt amusant. Je planifie chaque tournure et chaque virage avant qu’il ne se produise.

Je n’ai pas de voiture. Donc, en octobre, je me lance le défi ultime : dix installations consécutives allant du sud de la Californie à Sacramento. Je suis vraiment impatient de voir comment tout cela se déroulera.

Et parce que, apparemment, j’aime rendre la vie inutilement compliquée, je vais également intégrer des entretiens avec des barmans bien connus pour le livre de cocktails.

Cependant, en réalité, je soupçonne que j’aime simplement résoudre des puzzles logistiques impossibles. Une fois que vous avez passé des années à jongler avec des artistes, des expositions, des horaires d’expédition, des lieux et des délais, une semaine normale peut sembler un peu ennuyeuse.

Je ne peux vraiment pas attendre que l’entreprise ouvre plus de magasins ! Allez-y !

Avec autant d’emplacement à superviser, comment parvenez-vous à curater de l’art visuellement beau et des artistes présentés avec des magasins qui correspondent le mieux à leur vibe et à leur esthétique? Combien de pensée créative et d’exécution entrent dans ces décisions?

Un excellent programme d’art dans un environnement de détail rarement se produit par hasard. Lorsque vous supervisez des dizaines d’emplacement, vous ne suspendez pas simplement des œuvres d’art – vous créez une conversation entre l’artiste, l’espace, le client et la communauté locale.

Un placement réussi peut élever à la fois l’œuvre d’art et l’emplacement. Parfois, une pièce qui a du mal à se connecter dans un magasin devient un best-seller lorsqu’elle est déplacée vers un autre, car le public est un meilleur ajustement. Je déplace régulièrement des œuvres d’un emplacement à l’autre, et lorsque les artistes rejoignent le programme, je leur fais clairement comprendre que je veux construire des relations lentement. C’est un jeu à long terme. Le succès ne se produit rarement du jour au lendemain, et les partenariats d’artistes les plus solides sont construits avec le temps.

Une énorme quantité de pensée va dans chaque exposition. J’ai commencé à travailler avec des artistes sur des spectacles plus d’un an à l’avance, les aidant à développer de nouveaux corps de travail ou les encourageant à se présenter de manières qu’ils n’auraient peut-être jamais considérées auparavant. Une partie de mon rôle est d’identifier des opportunités qui défient les artistes de manière créative tout en restant authentique dans leur pratique.

La confiance requise pour faire cela ne peut pas être surestimée. Les artistes placent leur travail, leur réputation et souvent une partie d’eux-mêmes entre vos mains. Gagner cette confiance prend de la constance, de l’honnêteté et de la transparence. Ces qualités sont la fondation de chaque exposition réussie et de chaque relation d’artiste durable.

Au mieux, la curatorisation n’est pas simplement une question de vente d’œuvres d’art. C’est créer des opportunités, construire des carrières, connecter des communautés et trouver le bon public pour le bon artiste au bon moment.

Comment s’est déroulée l’événement Pride du 4? Quels étaient les points forts, et pourquoi est-il important pour les dispensaires et les galeries d’art comme The Artist Tree d’accueillir des événements célébrant toutes les contributions aux arts que les artistes LGBTQ ont créées?

J’ai demandé beaucoup à l’équipe de The Artist Tree pour me soutenir lors de l’événement du 4 juin, et l’une des choses les plus frappantes que j’ai réalisées est à quel point il est rare qu’une entreprise fasse non seulement confiance à la vision d’un conservateur, mais l’exécute également avec une telle précision et soin – et puis aille au-delà.

L’entreprise, fondée en Californie du Sud avec son magasin phare à West Hollywood, a toujours fonctionné avec un fort accent sur l’inclusion culturelle et la visibilité communautaire. West Hollywood lui-même est largement reconnu comme une ville profondément affirmative pour la communauté LGBTQ+, et cette éthique est reflétée dans la façon dont la marque se positionne – en célébrant la différence culturelle, en soutenant les artistes sous-représentés et en élevant des voix diverses dans sa programmation.

Ce qui a rendu l’événement significatif, ce n’est pas qu’il se tenait seul, mais qu’il était construit sur un fondement existant qui a précédé mon implication. Je vois mon rôle comme le prochain conservateur de cette continuité – quelqu’un responsable de l’évolution du programme, de l’affinement de sa direction et de son élévation à son niveau suivant plutôt que de le réinventer à partir de zéro.

Dans ce sens, l’événement n’était pas le point final – c’était simplement le point culminant d’une vision déjà établie et en constante évolution.

Comment utilisez-vous vos propres compétences créatives et expériences artistiques lors de l’organisation et de la création de la série Once in a Cocktail? Comment trouvez-vous des endroits notables à présenter dans la série?

J’aborde la série Once in a Cocktail de la même manière que je le fais avec la curatorisation d’artistes – par l’instinct, la curiosité et le récit.

Je suis toujours à la recherche de quelque chose de nouveau. Je « chasse » les barmans et les lieux de la même manière que je le fais avec les artistes : non seulement pour leurs compétences, mais pour leur caractère, leur atmosphère et leur récit. Un excellent cocktail n’est jamais qu’une boisson – c’est le reflet d’un lieu, d’une personne et d’un moment dans le temps.

Je illustre également tous les livres moi-même, et ce langage visuel a évolué au fil des ans de pratique. Cela me permet de construire un monde entièrement immergé où l’écriture et l’imagerie parlent l’une à l’autre. Je ne vois pas vraiment de séparation entre les deux ; je traduis constamment l’expérience en forme visuelle et écrite.

Au cœur de tout cela, je suis un conteur. Je peux tirer des idées de très peu de choses, car je suis toujours en train d’observer – le comportement humain, les espaces, l’énergie, le détail. Ce qui me pousse, c’est la connexion humaine et la rendre accessible, vivante et un peu plus considérée à travers le travail.

En fin de compte, je me soucie de la connexion humaine et de la rendre accessible, vivante et un peu plus considérée à travers le travail.

Quels sont les plans excitants pour l’avenir, pour vous-même et pour The Artist Tree? Alors que l’industrie du cannabis pénètre un territoire inexploré, comment The Artist Tree prévoit-elle d’évoluer et de s’adapter?

J’ai des objectifs ambitieux pour changer la façon dont l’art est vendu et expérimenté. Chez The Artist Tree, nous offrons un programme unique qui n’a rien de comparable dans l’industrie.

Nous voulons que les gens pensent différemment à la façon dont ils achètent de l’art. Lorsqu’ils entrent dans nos magasins, ils ne font pas seulement un achat – ils soutiennent activement et font avancer la carrière d’un artiste. Chaque vente profite directement à l’artiste, avec 100 % du prix de l’œuvre d’art allant à l’artiste.

Il n’y a rien de mal dans le modèle de galerie traditionnel, où les galeries prennent 40-50 % pour couvrir les coûts de fonctionnement d’un espace. Ce système a de la valeur et de l’histoire. Mais il y a aussi de la place pour un nouveau modèle – un modèle qui donne la priorité à la transparence, à l’accès et au soutien direct des artistes.

Nous ne profitons pas de la vente d’œuvres d’art. Au lieu de cela, nous nous associons aux artistes pour élever leur travail dans nos espaces. Leur créativité améliore nos magasins, les transformant en environnements éducatifs et visuellement riches pour nos clients.

Ceci est une évolution de la façon dont l’art et le commerce peuvent travailler ensemble : un modèle basé sur le respect de l’artisanat, le soutien du talent et la croyance que lorsque les artistes prospèrent, l’expérience entière devient plus significative.

C’est un véritable partenariat.

Merci de nous avoir rejoints, Katie ! Pour plus d’informations sur The Artist Tree stores, veuillez visiter son site Web.