Katie Brightside, Curadora en Jefe de The Artist Tree – Serie de Entrevistas

Como la industria del cannabis se expande, las dispensarios minoristas están evolucionando hacia espacios que manejan mucho más que solo transacciones. En lugar de eso, se están convirtiendo en centros vibrantes para eventos y reuniones sociales diversas. Desde la organización de reuniones de defensa del cannabis hasta funcionar como galerías de arte bellamente curadas, los dispensarios modernos están empujando mucho más allá de los límites de años anteriores.

Para obtener una visión más cercana de cómo fusionar las operaciones de dispensario con eventos y reuniones comunitarias y curar el arte presentado en estos espacios, MyCannabis.com habló con Katie Brightside, Curadora en Jefe de The Artist Tree.

¿Cuáles fueron los conceptos más útiles e interesantes en moda que aprendiste mientras asistías a la Universidad de Kingston y luego te mudabas a Italia después de eso?

La Universidad de Kingston tenía uno de los cursos de moda BA (Hons) más respetados del Reino Unido, en gran parte porque producía diseñadores ambiciosos que harían cualquier cosa para conseguir el trabajo.

Para poner esto en contexto, era 1998 y yo era una chica de 19 años de la muy poco glamorosa ciudad de Swindon, Inglaterra. Entrar en el curso fue una lucha, y nada cambió una vez que llegué.

Antes del primer día, nos dieron un proyecto para presentarnos. Empezamos con 46 estudiantes. Si fallabas, estabas fuera. Tres personas se fueron antes de que las clases hubieran comenzado siquiera.

Luego, mientras el resto de la universidad disfrutaba de la Semana de Orientación, nos dieron otro proyecto. Trabajamos 20 horas al día para completarlo. Al final de esa semana, otros dos estudiantes se habían ido.

Tres años después, solo alrededor de 24 de nosotros nos graduamos.

Había apenas un día en que un tutor no hacía llorar a alguien, nos ponía en contra de los demás o nos avergonzaba públicamente por hacer las cosas mal. Mirando hacia atrás, mucho de ese estilo de enseñanza probablemente sería considerado completamente inaceptable hoy en día. Sin embargo, de alguna manera, también puedo ver su valor.

El entorno me obligó a identificar mis debilidades y reconocer dónde no podía competir con mis compañeros. Más importante aún, me enseñó cómo convertir esas debilidades en fortalezas. Aprendimos a comercializarnos, a construir una marca personal y a hablar con confianza y persuasión sobre nuestras ideas.

La mayoría de nosotros todavía bromea sobre que tenemos estrés postraumático de esos años. Bienvenidos a la moda.

En nuestro segundo año, nos enviaron a la Semana de la Moda de París y nos dijeron que produjéramos un informe de pasarela. Ninguno de nosotros tenía conexiones con la industria. Para entrar en los desfiles, literalmente usábamos zapatillas para correr bajo los brazos de los guardias de seguridad y deslizarnos dentro. Aprendimos rápidamente a dirigirnos directamente al foso de prensa y sacar una cámara, lo que hacía mucho más difícil que alguien nos echara.

Recuerdo que los fotógrafos de Dazed & Confused y i-D magazine me preguntaban si podían cambiar de posición conmigo mientras me abría paso hasta la primera fila en los desfiles de Valentino y Bernhard Willhelm. Me mantuve firme. No iba a fallar en esa tarea.

Durante mi segundo año, gané un proyecto patrocinado por United Colors of Benetton, recibiendo tanto el dinero del premio como el reconocimiento de la industria.

Para el momento en que me gradué, tenía tres ofertas de trabajo. La más glamorosa vino del Grupo Benetton en Italia. Me ofrecieron un salario generoso, un apartamento, lecciones de italiano y una asignación de comida. A los 21 años, estaba completamente mimada y tenía muy poca comprensión de cómo funcionaba la industria.

Para ser honesta, nunca realmente entendí por qué nos contrataron a dos de nosotros del curso porque no había mucho para que hiciéramos. Así que pasé mucho de mi tiempo desarrollando mi portafolio antes de mudarme a Australia un año después. Dentro de 10 días, había entrado en un papel de moda de alta costura como freelancer. Estaba eufórica; ¡este era el lugar donde quería estar!

Lo que Kingston me enseñó no fue simplemente cómo diseñar ropa. Me enseñó cómo luchar por lo que quería, cómo hacer que las cosas sucedan, cómo crear oportunidades donde no existían y cómo aprovechar al máximo cualquier situación.

Hoy en día, creo que solo unos cinco de nosotros todavía estamos trabajando en la moda. Tal vez otros cuatro están en industrias creativas, incluyéndome a mí. Los catorce restantes básicamente se reinventaron y persiguieron carreras diferentes.

Los métodos de enseñanza probablemente serían ilegales hoy en día, y con razón. Sin embargo, sigo estando agradecida por la experiencia. Fue brutal, agotador y a menudo implacable, pero me moldeó en quién me convertí.

La lección más grande no fue la moda. Fue la resistencia.

¿Cómo estudiaste y viviste en todos los países diferentes que has inspirado tu estilo artístico, aprecio por el arte de todos los formatos y cómo trabajas con otros artistas?

He vivido en seis países y viajado extensivamente, y esa exposición a diferentes culturas forma la columna vertebral de mi práctica. Veo la cultura como una forma de conocimiento, y ese hilo recorre constantemente mi trabajo. Mi lenguaje artístico se desarrolló durante mi licenciatura en la Universidad de Kingston y se moldeó aún más durante mi maestría en Bellas Artes en Central Saint Martins, donde se me animó a buscar constantemente lo nuevo mientras seguía arraigado críticamente en el discurso artístico histórico y contemporáneo.

Tengo una profunda pasión por reinventar referencias históricas para la audiencia de hoy. Viajar me ha dado una mayor apreciación de dónde se origina el arte y cómo la cultura moldea la expresión creativa.

Trabajar con artistas requiere paciencia y comprensión. Sus creaciones son como sus hijos, y es importante respetar el privilegio de convertirse en el cuidador de esas obras, incluso si solo es por la duración de una exposición o dos.

¿Qué te llamó la atención sobre unirte al equipo de The Artist Tree? ¿Tenías alguna inquietud sobre trabajar en la industria del cannabis después de tantos años en la moda y el diseño de arte?

El programa de artistas de The Artist Tree es uno de los mejores del mundo y una de las únicas plataformas donde los artistas reciben el 100% de cada venta de obra de arte. Cada pieza vendida es un hito significativo para un artista, y la empresa se compromete a seguir construyendo un programa que apoye genuinamente a los creativos y ayude a avanzar en sus carreras.

No tengo reparos en trabajar en la industria del cannabis. De hecho, es una industria inexplorada que despierta mi curiosidad y pasión por descubrir nuevas oportunidades. La cultura a menudo es más relajada que las industrias creativas tradicionales, lo que encuentro refrescante.

Sigo siendo una artista en ejercicio con numerosos medios creativos y empresas en curso, así que nunca realmente dejo de trabajar. La creatividad no es solo mi profesión, es una parte constante de quién soy.

Como alguien muy familiarizado con ambos, ¿por qué el cannabis y las artes creativas suelen ir de la mano? ¿Por qué tantos artistas de géneros muy variados han utilizado el cannabis de una u otra manera?

El cannabis y las artes creativas han estado vinculados durante siglos, pero la relación es más compleja que el estereotipo popular del “artista drogado”.

El logro creativo no requiere cannabis, e investigaciones sobre si realmente mejora la creatividad siguen siendo mixtas. En última instancia, es una elección personal: un enfoque de “elige tu propia aventura”.

Una posible explicación para la larga asociación es que el proceso creativo a menudo requiere generar ideas antes de juzgarlas. Algunos artistas informan que el cannabis temporalmente calma a su crítico interno, permitiéndoles experimentar más libremente y correr riesgos creativos que de otro modo podrían descartar demasiado rápido.

El cannabis puede alterar la percepción, ralentizar los patrones de pensamiento, aumentar la conciencia sensorial y fomentar conexiones inusuales entre ideas. Para algunos creativos, esto puede llevar a una mayor apreciación de la textura, el ritmo, el sabor, la luz o la sutileza emocional. Si estas perspectivas alteradas mejoran en última instancia el trabajo en sí, es subjetivo, pero pueden ayudar a los artistas a abordar ideas familiares desde un ángulo diferente.

En tus propias palabras, ¿por qué fue tan importante ganar la Beca de Artista de West Hollywood, el Premio de Diseño Phyllis Morris en los Premios de Liderazgo Empresarial de Mujeres de West Hollywood y el Ganador del Premio de Libro de Cocina Regional BBA? ¿Cómo ayudaron esos logros a impulsar tu carrera hacia adelante?

Ninguno de estos logros es fácil de obtener. Cualquier reconocimiento de tus pares es importante para establecerte como profesional. Ayuda a construir credibilidad, facilita la obtención de futuras becas y oportunidades de financiamiento, y abre puertas que de otro modo podrían permanecer cerradas.

Los premios y reconocimientos profesionales son más que simples elogios: son una validación del arduo trabajo, la dedicación y la pericia que van de la mano con la construcción de una carrera.

¿Qué implica servir como Curadora en Jefe para 10 ubicaciones diferentes? ¿Cómo trabajas con artistas colegas para mostrar su trabajo y hacer que los dispensarios sean más visualmente atractivos con su trabajo?

Es realmente un juego de dominó gigante. Por alguna razón, mi cerebro encuentra fácil maniobrar 300 piezas de trabajo hacia dentro y 300 hacia fuera, con aproximadamente 35 artistas entrando y 35 saliendo.

El verdadero desafío es aprender el carácter de cada artista lo suficientemente bien como para predecir quién podría lanzar un obstáculo y sacar un dominó de la secuencia. Si puedes entender la personalidad del artista, puedes ejecutar un intercambio perfecto de diez ubicaciones sin perder el ritmo.

Para ser honesta, lo encuentro bastante divertido. Planifico cada giro y vuelta antes de que suceda.

También no tengo coche. Así que en octubre, me estoy planteando el desafío definitivo: diez instalaciones seguidas que van desde el sur de California hasta Sacramento. De verdad no puedo esperar para ver cómo sale todo.

Y porque aparentemente disfruto complicando mi vida, también estoy ajustando entrevistas con barmans conocidos para el libro de cócteles.

Aunque, en realidad, creo que solo disfruto resolviendo rompecabezas logísticos imposibles. Una vez que has pasado años equilibrando artistas, exposiciones, horarios de envío, locales y fechas límite, una semana normal probablemente se sienta un poco aburrida.

De verdad no puedo esperar a que la empresa abra más tiendas. ¡Vamos!

Con tantas ubicaciones para supervisar, ¿cómo curas perfectamente el arte visualmente hermoso y los artistas destacados con tiendas que se ajustarían mejor a su vibra y estética? ¿Cuánto pensamiento y ejecución creativos se invierten en esas decisiones?

Un gran programa de arte en un entorno minorista rara vez sucede por casualidad. Cuando supervisas docenas de ubicaciones, no solo estás colgando obras de arte, estás creando una conversación entre el artista, el espacio, el cliente y la comunidad local.

Una colocación exitosa puede elevar tanto la obra de arte como la ubicación. A veces, una pieza que lucha por conectarse en una tienda se convierte en un éxito de ventas cuando se mueve a otra porque la audiencia es una mejor coincidencia. Regularmente muevo obras entre ubicaciones, y cuando los artistas se unen al programa, les hago saber que quiero construir relaciones lentamente. Este es un juego a largo plazo. El éxito rara vez sucede de la noche a la mañana, y las asociaciones de artistas más fuertes se construyen con el tiempo.

Una cantidad enorme de pensamiento va en cada exposición. He comenzado a trabajar con artistas en espectáculos más de un año por adelantado, ayudándolos a desarrollar nuevos cuerpos de trabajo o animándolos a presentarse de maneras que tal vez nunca antes hubieran considerado. Parte de mi función es identificar oportunidades que desafían a los artistas creativamente mientras siguen siendo auténticos en su práctica.

La confianza necesaria para hacer esto no se puede subestimar. Los artistas están poniendo su trabajo, su reputación y a menudo una parte de sí mismos en tus manos. Ganar esa confianza toma consistencia, honestidad y transparencia. Esas cualidades son la base de cada exposición exitosa y cada relación duradera con el artista.

En su mejor momento, curar no es solo vender obras de arte. Se trata de crear oportunidades, construir carreras, conectar comunidades y encontrar la audiencia adecuada para el artista adecuado en el momento adecuado.

¿Cómo salió el evento del Orgullo el 4? ¿Cuáles fueron algunos de los aspectos destacados, y por qué es importante para los dispensarios y las galerías de arte como The Artist Tree organizar eventos que celebren todas las contribuciones a las artes que los artistas LGBTQ han creado?

Le pedí mucho al equipo de The Artist Tree para que me apoyara en el evento del 4 de junio, y una de las conclusiones más impactantes fue darme cuenta de lo raro que es que una empresa no solo confíe en la visión de un curador, sino que también la ejecute con tanta precisión y cuidado, y luego vaya más allá.

La empresa, fundada en el sur de California con su sede en West Hollywood, siempre ha operado con un fuerte énfasis en la inclusión cultural y la visibilidad comunitaria. West Hollywood en sí es ampliamente reconocido como una ciudad profundamente afirmativa de LGBTQ+, y esa ética se refleja en cómo la marca se posiciona, celebrando la diferencia cultural, apoyando a artistas subrepresentados y elevando voces diversas dentro de su programación.

Lo que hizo que el evento se sintiera significativo no fue que estuviera solo, sino que se construyó sobre una base que ya existía mucho antes de mi participación. Veo mi función como la siguiente curadora en esa continuidad, alguien responsable de evolucionar el programa, refinar su dirección y empujarlo a su próximo nivel en lugar de reinventarlo desde cero.

En ese sentido, el evento no fue el punto final, fue simplemente el punto culminante de una visión en crecimiento que ya existía.

¿Cómo utilizas tus propias habilidades creativas y experiencias artísticas al organizar y crear la serie Once in a Cocktail? ¿Cómo encuentras lugares notables para presentar en la serie?

Abordo la serie Once in a Cocktail de la misma manera que curaría a artistas: a través del instinto, la curiosidad y la narrativa.

Estoy siempre en busca de algo nuevo. “Cazo” a barmans y locales de la misma manera que a artistas: no solo por habilidad, sino por carácter, atmósfera y narrativa. Un cóctel excelente no es solo una bebida, es un reflejo de un lugar, una persona y un momento en el tiempo.

También ilustro todos los libros yo misma, y ese lenguaje visual ha evolucionado con los años de práctica. Me permite construir un mundo completamente inmersivo donde la escritura y la imagen se hablan entre sí. No veo realmente una separación entre los dos; estoy constantemente traduciendo la experiencia en forma visual y escrita.

En el núcleo, soy una narradora. Puedo extraer ideas de muy poco porque siempre estoy observando: el comportamiento humano, los espacios, la energía, el detalle. Lo que me impulsa es la conexión humana y hacer que esa conexión se sienta accesible, viva y un poco más considerada a través del trabajo.

En última instancia, me importa la conexión humana y hacer que esa conexión se sienta accesible, viva y un poco más considerada a través del trabajo.

¿Cuáles son algunos planes emocionantes para ti y The Artist Tree? A medida que la industria del cannabis entra en un territorio inexplorado, ¿cómo planea The Artist Tree evolucionar y adaptarse?

Tengo metas ambiciosas para cambiar la forma en que se vende y experimenta el arte. En The Artist Tree, ofrecemos un programa único que no tiene igual en la industria.

Queremos que la gente piense de manera diferente sobre cómo comprar arte. Cuando entran en nuestras tiendas, no solo están haciendo una compra, están activamente apoyando y avanzando en la carrera de un artista. Cada venta beneficia directamente al artista, con el 100% del precio de la obra de arte yendo a ellos.

No hay nada malo en el modelo de galería tradicional, donde las galerías toman el 40-50% para cubrir los costos de ejecutar un espacio. Ese sistema tiene valor y historia. Pero también hay espacio para un nuevo modelo, uno que priorice la transparencia, el acceso y el apoyo directo al artista.

No nos beneficiamos de la venta de obras de arte. En lugar de eso, nos asociamos con artistas para elevar su trabajo dentro de nuestros espacios. Su creatividad realza nuestras tiendas, transformándolas en entornos educativos y visualmente ricos para nuestros clientes.

Esta es una evolución de cómo el arte y el comercio pueden trabajar juntos: un modelo construido sobre el respeto por la artesanía, el apoyo al talento y la creencia de que cuando los artistas prosperan, toda la experiencia se vuelve más significativa.

Es una verdadera asociación.

Gracias por unirte a nosotros, Katie. Para obtener más información sobre The Artist Tree stores, visite su sitio web.